The Myth of Tango's Legendary Gender Imbalance

It is not true that during tango's golden era (1935 to 1955), there were more men than women in Buenos Aires. By 1925, the gender imbalance had leveled out. This means that the masters who helped revive tango in the 1980s did not grow up in a social landscape where men significantly outnumbered women. They were simply retelling a story from forty years earlier that they had heard secondhand. It's likely that even their parents had not experienced that particular social configuration in Buenos Aires.

Most of these dancers were born after 1935. By that time, Gardel was dead, the old guard of tango had passed, and they grew up witnessing a different phenomenon: the largest influx of impoverished rural migrants into the city. The dancers who passed on the dance and tango culture to us were significantly different from what we typically imagine. They grew up speaking Spanish, they weren't immigrants but well-rooted porteños, and they were into modern pursuits like wearing tailored clothes and watching American musicals.

During the golden era they lived through, following the traditional social settings of the time, most couples consisted of women dancing with men. It is true that some men also danced with each other in the afternoons, but these sessions were open to only some of the dancers and focused on practice and study, not social dancing per se. Those who participated in these sessions were exceptionally passionate dancers who sought additional time to explore, create, refine, and improve their skills.

Young men who attended these practice sessions sought to connect with their older counterparts, learn from their experience, and gain better access to dance events. These men chose to practice tango with each other over the typical activities of the time—sports, street games, or neighborhood socializing—not because they had to, but because they wanted to. That choice made them different.

These relationships and practice spaces became sacred to them. These social interactions prepared them for life outside the family circle and provided an outlet during the difficult transition to adulthood.

Today, the large majority of men who dance tango do not practice together simply because they choose not to. They tend to view other men as strangers, bystanders, or competitors. Instead of practicing and honing their skills with each other, they prefer to skip that learning process entirely and go straight to dancing exclusively with women.

These men often lack the deep personal relationships and friendships with other men that were once common. They don't believe that other men can support them in becoming decent social dancers and more well-rounded social beings. Camaraderie between men has become our new myth.

Stop talking, start dancing. Information Overload Is crippling Your Dance Skills

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In a typical tango workshop, you'll spend less than one-third of your time actually dancing and getting personalized feedback. The majority is spent passively watching, waiting, or listening to general instruction. These sessions might be more accurately described as "dance theory classes" rather than true dance classes.

Most people go to dance class to dance, not to watch extended demonstrations or listen to lengthy explanations. But here's the trap: talking and showing off is far easier for instructors and feels immediately rewarding to students, compared to the slow, methodical process of actually developing their abilities.

Paraphrasing Herbert Simon, we must consider our attention as energy. Today's wealth of information creates an alarming shortage in our attention capacity. The more information we consume, the less we are able to effectively receive, process, and retain.

People attending these kinds of classes check out—they get bored and become quickly irritable. The more class time we spend listening to explanations and passively watching others dance, the less capable we become of using that information, and the further we drift from actually integrating it.

In an effective class, you improve a specific skill or movement during the session. You should see yourself advancing by the minute, which leaves you motivated and inspired to continue practicing those skills. Classes that fail to do this actually slow you down.

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Herbert A. Simon (1916–2001) was an American scholar and Nobel laureate whose pioneering research in decision-making, artificial intelligence, and cognitive psychology fundamentally shaped multiple scientific fields, including economics and computer science.

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Dans un atelier de tango typique, vous passez moins d'un tiers de votre temps à danser réellement et à recevoir des retours personnalisés. La majorité du temps est consacrée à regarder passivement, à attendre ou à écouter des instructions générales. Ces séances pourraient être plus justement décrites comme des "cours de théorie de la danse" plutôt que de véritables cours de danse.

La plupart des gens vont en cours de danse pour danser, pas pour regarder de longues démonstrations ou écouter des explications interminables. Mais voici le piège : parler et faire des démonstrations est beaucoup plus facile pour les instructeurs et procure une satisfaction immédiate aux élèves, comparé au processus lent et méthodique du développement réel des capacités.

Pour paraphraser Herbert Simon, nous devons considérer notre attention comme de l'énergie. L'abondance d'informations actuelle crée une pénurie alarmante de notre capacité d'attention. Plus nous consommons d'informations, moins nous sommes capables de les recevoir, les traiter et les retenir efficacement.

Les personnes qui assistent à ce type de cours décrochent - elles s'ennuient et deviennent rapidement irritables. Plus nous passons de temps en cours à écouter des explications et à regarder passivement les autres danser, moins nous sommes capables d'utiliser ces informations, et plus nous nous éloignons de leur véritable intégration.

Dans un cours efficace, vous améliorez une compétence ou un mouvement spécifique pendant la séance. Vous devriez voir vos progrès minute par minute, ce qui vous laisse motivé et inspiré pour continuer à pratiquer ces compétences. Les cours qui ne parviennent pas à faire cela vous ralentissent en réalité.

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En una clase típica de tango, pasas menos de un tercio del tiempo bailando y recibiendo atención y devolución personalizada. La mayoría del tiempo se dedica a observar pasivamente, esperar, o escuchar instrucciones generales. Sesiones de este tipo podrían describirse más precisamente como "clases de teoría de la danza" en lugar de verdaderas clases de baile.

La mayoría de la gente van a una clase de baile para bailar, no para ver demostraciones ni para escuchar largas explicaciones. Pero aquí está la trampa: hablar y hacer demostraciones es mucho más fácil para los instructores y resulta inmediatamente gratificante para los alumnos, en comparación con el proceso lento y metódico de desarrollar realmente sus habilidades.

Parafraseando a Herbert Simon, debemos considerar nuestra atención como energía. La abundancia de información actual genera una alarmante escasez en nuestra capacidad de atención. Cuanta más información consumimos, menos capaces somos de recibirla, procesarla y retenerla de manera efectiva.

Quienes asisten a este tipo de clases se desconectan: terminan aburriendose y se vuelven irritables rápidamente. Cuanto más tiempo de clase pasamos escuchando explicaciones y observando pasivamente a otros bailar, menos capaces somos de utilizar esa información, y más nos alejamos de integrarla realmente.

En una clase efectiva, mejoras una habilidad o un movimiento específico durante la sesión. Deberías ver tu progreso minuto a minuto, lo cual te deja motivado e inspirado para seguir practicando esas habilidades aprendidas. Las clases que no logran esto en realidad estan haciendo tu aprendizaje mas lento.

We Crave Musical Contrast Over Sophistication

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The average social dancer perceives only a few basic elements in the music: tempo, recording quality (primarily determined by era), and genre (tango, milonga, vals, or alternative).

Milonga demands a faster pace because it has a faster tempo than tango music, and vals has a distinctive musical signature different from both. Older recordings have noticeably lower sound quality compared to newer ones. Songs also vary considerably in tempo within their respective genres.

Regardless of how intricate and passionate discussions about orchestral differences, historical periods, stylistic nuances, musical architecture, or vocal interpretations might become, the majority of dancers show little interest in developing this musical literacy or learning how to apply such knowledge to their dancing.

This is the main reason why so many dancers in the scene like to dance to Piazzolla, alternative music, current orchestras, and later recordings. It's not due to an informed opinion or conscious choice, but rather a subconscious craving for contrast. Without these more clear and distinct changes in the music's speed, quality, and genre, the entire evening blends into a monotonous musical blur for most.

Le danseur social moyen ne perçoit que quelques éléments de base dans la musique : le tempo, la qualité d'enregistrement (principalement déterminée par l'époque), et le genre (tango, milonga, vals ou alternatif).

La milonga exige une cadence plus rapide car son tempo est plus élevé que celui du tango, et la vals possède une signature musicale distinctive qui diffère des deux. Les anciens enregistrements ont une qualité sonore visiblement inférieure par rapport aux plus récents. Les morceaux varient aussi considérablement en tempo au sein de leurs genres respectifs.

Peu importe à quel point les discussions sur les différences orchestrales, les périodes historiques, les nuances stylistiques, l'architecture musicale ou les interprétations vocales peuvent devenir complexes et passionnées, la majorité des danseurs manifeste peu d'intérêt pour développer cette culture musicale ou apprendre à appliquer ces connaissances à leur danse.

C'est la raison principale pour laquelle tant de danseurs dans le milieu aiment danser sur Piazzolla, la musique alternative, les orchestres contemporains et les enregistrements plus récents. Ce n'est pas dû à une opinion éclairée ou un choix conscient, mais plutôt à un besoin inconscient de contraste. Sans ces changements plus nets et distincts dans la vitesse, la qualité et le genre de la musique, toute la soirée se fond en un flou musical monotone pour la plupart.

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El bailarín de pista promedio percibe solo algunos elementos básicos en la música: el tempo, la calidad de la grabación (determinada principalmente por la época), y el género (tango, milonga, vals o alternativo).

La milonga exige un paso más rápido porque tiene un tempo más acelerado que el tango, y el vals tiene una forma musical distintiva diferente a ambos. Las grabaciones más antiguas tienen una calidad de sonido notablemente inferior en comparación con las más recientes. Las canciones también varían considerablemente en tempo dentro de sus respectivos géneros.

Independientemente de cuán intrincadas y apasionadas puedan ser las discusiones sobre las diferencias orquestales, períodos históricos, matices estilísticos, arquitectura musical o interpretaciones vocales, la mayoría de los bailarines muestra poco interés en desarrollar esta educación musical o en aprender a aplicar dicho conocimiento a su baile.

Esta es la razón principal por la que tantos bailarines en la comunidad tanguera eligen bailar Piazzolla, música alternativa, orquestas actuales y grabaciones más recientes. No se debe a una opinión informada o una elección consciente, sino más bien a un anhelo subconsciente de contraste. Sin estos cambios más claros y distintivos en la velocidad, calidad y género de la música, toda la velada se convierte en una confusión musical monótona para la mayoría.

A Hidden Rebellious Soul

Looking beneath the passionate exterior and apparent performative nature of tango, you will find something most people miss - there’s a whole tradition of social critique and pessimism running through its core.

You can still sense this in long-term, dedicated tangueros (especially Argentines) through their humor and piercing cynicism, general disenchantment, and critical attitude towards society as a whole. Dig deeper and you’ll find that tango was born from rebellion.

Early lyrics and original dance moves embodied melancholia and disillusionment, offering a raw, physical gesture to the traditional moral values and institutional oppression of the time. This rebellious spirit often gets buried under the romanticized image tango later acquired.

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Mirando más allá su cascara apasionada y la aparente naturaleza exhibicionista del tango, hay algo que la mayoría pasa por alto: su tradición de crítica social y pesimismo que corre por su venas.

Esta tradicion todavía se puede percibir esto en los tangueros de ley (especialmente los argentinos) a través de su humor y agudo cinismo, su desencanto general y su actitud crítica hacia la sociedad en su conjunto. El tango nació de la rebeldía.

Las letras tempranas y los pasos originales encarnaban la melancolía y la desilusión, manifestando un gesto físico crudo a los valores morales tradicionales y la opresión institucional de la época. Este espíritu rebelde a menudo queda sepultado bajo la imagen romanticizada que el tango adquirió posteriormente.

Musicality for tango dancers is more than music theory

Français 🇫🇷

This past season, I taught more musicality seminars than usual, and these circumstances provided me with several insights I wanted to share. The first is that I realized most Argentine Tango students do not think of musicality as a movement craft (musicality of movement), and the second is that many musicality classes are mislabeled.

Let me provide some background first.

Generally speaking, musicality classes fell out of popularity a few years ago. What was once a hot topic became old and obscure. Students gradually lost interest in studying musicality. However, in the last year, I have noticed a slow but steady comeback. Musicality is not gone after all. I am hearing more and more from organizers and program directors that there is a need for those intricate musicality skills. Community leaders tell me that they are observing students accumulating more steps and techniques, but curiously, being able to express themselves through the music less. People seem to be dancing more mechanically than ever before and moving away from musical interpretation. "The more moves they know, the less expression they convey," they tell me.

While I notice this resurgence of interest in the topic from one end of the spectrum (community leaders), I also observe a diminished interest from the other end (students). This is evident in the overall reduction of attendance at musicality workshops. However, at an individual level, every student I talk to seems to want to dance musically, but they don't know how to work on it. Students recognize the need for musicality, yet at the same time, they do not necessarily want to attend musicality classes. What is going on here?

I don’t have a quick and simple answer to this problem, but I have two theories about what may be discouraging students from pursuing this study. The first is that many intermediate dancers believe musicality is something only for leaders. In this scenario, followers delegate responsibility to the leaders, and leaders feel far too much pressure to perform and provide a musical dance, which makes them less willing to focus on the challenge. Secondly, and this is the point I want to develop further, students have not seen much benefit from all the musicality classes they have attended and don't want to keep trying.

Musicality classes have not been effective, and I believe this is because the outcomes from attending those classes have been mixed. Most musicality classes have not made dancers feel more musical because they haven't succeeded in teaching them how to move musically. Instead, they have taught complementary content. I classify this content into one of these six categories:

1. Music appreciation classes

2. Music theory classes

3. Music history classes

4. Dance classes with musicalized steps

5. Style classes masked as musicality for social dancers

6. Some combination of all of the above

Tango music is a vast, rich, and exciting topic. There is no doubt that dancers can benefit from learning to appreciate and delve deeper into music as a whole. This includes understanding the cultural context of musicality (music history and stories about the orchestras), comprehending how music and its language work (theory), familiarizing themselves with the songs DJs play (music appreciation), and enjoying learning cool steps that are pertinent to a certain period. However, in my opinion, a "musicality for dancers" class should primarily be a movement class. A musicality class should first include movement drills that focus on musical interpretation, modern embodiment of music techniques, and an exploration of how and when to apply those resources.

“When you dance in the music, the way you move transforms you into something larger than yourself”

Appreciation, theory, history, and examples are all very interesting and relevant topics, but they fall short of addressing social dancers' immediate needs. They miss the central point of musicality by offering context and not substance.

The study of musicality for tango dancers may include a certain amount of theory, but this theory should be secondary and only relevant to what the student can apply immediately or in the short term. For example, how useful is it for a student to know that tango songs are structured in themes if the student cannot identify those themes and know how to use that framework on the dance floor?

The central problem with developing musicality as a tango dancer is that both understanding dance music and moving in accordance with the music are complex topics that are hard to learn, whereas choreography and posturing are easier. This is one of the reasons why the majority of tango classes quickly introduce students to techniques, structures, and steps they should copy and memorize, opting to avoid musicality.

You can see this for yourself. Walk into a tango class and observe how self-expression and musical interpretation are either absent or briefly mentioned. Students may be told that they need to express themselves, but they are not shown how to do it. Isn't dancing to the music one of the main attractions for people drawn to tango? I believe this to be a central issue. When classes overlook the importance of music, tango music becomes mere background noise, akin to elevator music, an echo to be ignored and forgotten.

“It is the timing and pacing of movement that render your dance musically meaningful.”

Exciting students about self-expression through musical interpretation is not easy. Learning musicality does not involve specific figures or choreography. It is not immediately sexy or glamorous, but rather a nuanced skill that few can appreciate in its full scope. It is the timing and pacing of movement that render it musically meaningful. It is akin to the seasoning of a meal; without it, there might be substance but little flavor. Moves alone will not suffice. In this context, moves at best offer a false sense of proficiency. Figures and techniques work merely as a series of pre-recorded phrases that you can use until you are ready to engage in a conversation.

I encourage you not to give up on musicality. The greatest gift in tango is connection, and connection also means merging with the music. When you dance in the music, the way you move transforms you into something larger than yourself, and this transformation affects you, your partner, and your relationship with tango.

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Pour les danseurs de tango, la musicalité ne se limite pas à la théorie musicale

La saison dernière, j'ai enseigné plus de séminaires de musicalité que d'habitude, et ces circonstances m'ont permis d'acquérir plusieurs connaissances que je souhaite partager. La première est que j'ai réalisé que la plupart des élèves de tango argentin ne considèrent pas la musicalité comme un art du mouvement (musicalité du mouvement), et la seconde est que de nombreux cours de musicalité sont mal étiquetés.

Permettez-moi d'abord de vous donner quelques informations générales.

D'une manière générale, les cours de musicalité sont tombés en disgrâce il y a quelques années. Ce qui était autrefois un sujet d'actualité est devenu vieux et obscur. Les étudiants se sont progressivement désintéressés de l'étude de la musicalité. Cependant, au cours de l'année écoulée, j'ai constaté un retour lent mais régulier. La musicalité n'a pas disparu après tout. Les organisateurs et les directeurs de programmes me disent de plus en plus que ces compétences musicales complexes sont nécessaires. Les responsables communautaires me disent qu'ils observent des élèves qui accumulent de plus en plus de pas et de techniques, mais qui, curieusement, sont moins capables de s'exprimer à travers la musique. Les gens semblent danser plus mécaniquement que jamais et s'éloigner de l'interprétation musicale. "Plus ils connaissent de mouvements, moins ils s'expriment", me disent-ils.

Si je constate ce regain d'intérêt pour le sujet d'un côté (les responsables communautaires), j'observe également une diminution de l'intérêt de l'autre côté (les élèves). Ceci est évident dans la réduction globale de la participation aux ateliers sur la musicalité. Cependant, au niveau individuel, tous les élèves à qui je parle semblent vouloir danser musicalement, mais ils ne savent pas comment s'y prendre. Les élèves reconnaissent le besoin de musicalité, mais en même temps, ils ne veulent pas nécessairement assister aux cours de musicalité. Que se passe-t-il ici ?

Je n'ai pas de réponse simple et rapide à ce problème, mais j'ai deux théories sur ce qui peut décourager les étudiants de poursuivre cette étude. La première est que de nombreux danseurs intermédiaires pensent que la musicalité est réservée aux leaders. Dans ce scénario, les suiveurs délèguent la responsabilité aux meneurs, et ces derniers se sentent beaucoup trop poussés à performer et à offrir une danse musicale, ce qui les rend moins enclins à se concentrer sur le défi à relever. Deuxièmement, et c'est le point que je souhaite développer davantage, les étudiants n'ont pas vu beaucoup de bénéfices dans toutes les classes de musicalité auxquelles ils ont participé et ne veulent pas continuer à essayer.

Les cours de musicalité n'ont pas été efficaces, et je pense que c'est parce que les résultats de la participation à ces cours ont été mitigés. La plupart des cours de musicalité n'ont pas permis aux danseurs de se sentir plus musicaux parce qu'ils n'ont pas réussi à leur apprendre à bouger musicalement. Au lieu de cela, ils ont enseigné un contenu complémentaire. Je classe ce contenu dans l'une des six catégories suivantes :

1. Cours d'appréciation de la musique

2. Cours de théorie musicale

3. Cours d'histoire de la musique

4. Cours de danse avec des pas musicalisés

5. Cours de style masqués en tant que musicalité pour les danseurs sociaux

6. Une combinaison de tout ce qui précède

La musique de tango est un sujet vaste, riche et passionnant. Il ne fait aucun doute que les danseurs ont tout à gagner à apprendre à apprécier et à approfondir la musique dans son ensemble. Cela inclut la compréhension du contexte culturel de la musicalité (histoire de la musique et histoires sur les orchestres), la compréhension du fonctionnement de la musique et de son langage (théorie), la familiarisation avec les chansons jouées par les DJ (appréciation de la musique), et le plaisir d'apprendre des pas cool qui sont pertinents pour une certaine période. Cependant, à mon avis, un cours de "musicalité pour danseurs" devrait être avant tout un cours de mouvement. Un cours de musicalité devrait d'abord inclure des exercices de mouvement axés sur l'interprétation musicale, l'incarnation moderne des techniques musicales et une exploration de la manière et du moment d'appliquer ces ressources.

“Lorsque vous dansez dans la musique, la façon dont vous bougez vous transforme en quelque chose de plus grand que vous.”

L'appréciation, la théorie, l'histoire et les exemples sont tous des sujets très intéressants et pertinents, mais ils ne répondent pas aux besoins immédiats des danseurs sociaux. Ils passent à côté du point central de la musicalité en offrant un contexte et non une substance.

L'étude de la musicalité pour les danseurs de tango peut inclure une certaine quantité de théorie, mais cette théorie doit être secondaire et seulement pertinente pour ce que l'étudiant peut appliquer immédiatement ou à court terme. Par exemple, quelle est l'utilité pour un étudiant de savoir que les chansons de tango sont structurées en thèmes si l'étudiant ne peut pas identifier ces thèmes et savoir comment utiliser ce cadre sur la piste de danse ?

Le problème central du développement de la musicalité en tant que danseur de tango est que la compréhension de la musique de danse et le mouvement en accord avec la musique sont des sujets complexes et difficiles à apprendre, alors que la chorégraphie et la posture sont plus faciles. C'est l'une des raisons pour lesquelles la majorité des cours de tango présentent rapidement aux élèves des techniques, des structures et des pas qu'ils doivent copier et mémoriser, en choisissant d'éviter la musicalité.

Vous pouvez le constater par vous-même. Entrez dans un cours de tango et observez comment l'expression personnelle et l'interprétation musicale sont soit absentes, soit brièvement mentionnées. On peut dire aux élèves qu'ils doivent s'exprimer, mais on ne leur montre pas comment le faire. Danser sur la musique n'est-il pas l'un des principaux attraits du tango ? Je pense qu'il s'agit là d'une question centrale. Lorsque les cours négligent l'importance de la musique, la musique de tango devient un simple bruit de fond, un peu comme la musique d'un ascenseur, un écho à ignorer et à oublier.

“C’est la synchronisation et le rythme des mouvements qui donnent un sens musical à votre danse.”

Il n'est pas facile d'inciter les élèves à s'exprimer par le biais de l'interprétation musicale. L'apprentissage de la musicalité n'implique pas de figures ou de chorégraphies spécifiques. Il ne s'agit pas d'une activité immédiatement sexy ou glamour, mais plutôt d'une compétence nuancée que peu de gens peuvent apprécier dans toute son ampleur. C'est la synchronisation et le rythme du mouvement qui lui confèrent une signification musicale. C'est un peu comme l'assaisonnement d'un repas ; sans lui, il y aurait de la substance mais peu de saveur. Les mouvements seuls ne suffisent pas. Dans ce contexte, les mouvements offrent au mieux un faux sentiment de compétence. Les figures et les techniques ne sont qu'une série de phrases préenregistrées que vous pouvez utiliser jusqu'à ce que vous soyez prêt à engager une conversation.

Je vous encourage à ne pas renoncer à la musicalité. Le plus grand cadeau dans le tango est la connexion, et la connexion signifie aussi se fondre dans la musique. Lorsque vous dansez dans la musique, la façon dont vous bougez vous transforme en quelque chose de plus grand que vous, et cette transformation vous affecte, vous, votre partenaire, et votre relation avec le tango.

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